Materiales escenográficos para un museo del cine

Edificio del NO-DO
(arquitecto: Luis Ortiz de la Torre, 1940)

Desde hace muchos años se ha comentado que el Gobierno iba a crear el Museo Nacional del Cine ---similar al denominado Museo Nacional del Teatro y desde 2024, Museo Nacional de Artes Escénicas---, incluso se llegaron a barajar varias sedes en distintas ciudades, entre ellas, Valladolid, en él que se exhibiría parte de los fondos recuperados durante muchos años por el personal de la Filmoteca Española. 

No debe olvidarse que en España ya hay otros museos dedicados al cine, como el interesante y activo de Girona, fundado en 1998 con la colección de Tomàs Mallol e incluso el denominado del Cine Profesional instalado 2012 en Villarejo de Salvanés con la colección de Carlos Jiménez.

A principios de abril del año pasado el actual Ministro de Cultura anunció la cesión a la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas del edificio que albergó al NO-DO para instalar el ansiado museo. Este hecho provocó reacciones como la del antiguo director de la Filmoteca, Josetxo Cerdán, en su artículo «El Museo del Cine ya existe, se llama Filmoteca Española».

Lo importante es que la Academia está avanzando para que haya un Museo Nacional del Cine, el mes pasado ha convocado un concurso de proyectos para su creación, una vez elegido el ganador, su objeto será, según la Academia: «el desarrollo, redacción, dirección, coordinación e implementación integral de proyecto museístico del Museo del Cine, en todos sus niveles conceptual, museológico, museográfico, estratégico, organizativo y operativo, conforme a la propuesta seleccionada», como se puede comprobar, no se menciona a la arquitectura, cuando dadas las condiciones actuales del edificio, será necesario redactar un Proyecto de Ejecución para obtener las licencias pertinentes y poder realizar las obras necesarias para adecuarlo a sus fines.

Hablando del edificio hay que recordar que en su planta baja hay unos murales pintados por José Caballero, que seguramente estarán protegidos y que deben preservarse además de por su interés artístico, porque son importantes por la poco conocida implicación de su autor con el cine, véase Directores artísticos del cine español (pág. 224).

Exponer la escenografía cinematográfica

En estos momentos en España se está modificando el nombre de los profesionales que crean los espacios cinematográficos --un tema sobre el que espero escribir pronto en este blog--, por eso, para entendernos, se usa el término escenografía con la definición de la RAE: «Arte de diseñar o realizar decorados de una representación teatral, de una película o de un programa de televisión».

La cuestión ahora es saber qué tipo de materiales y cómo han de exponerse en un museo del cine. En las exposiciones dedicadas a un --o unos-- pocos profesionales, se suele aplicar un criterio cronológico, por ejemplo en la magnífica y reciente Gil Parondo, creador de sueños: 75 años de dirección artística cinematográfica, cuyos comisarios son Óscar Sempere e Imma Parrondo.

Cubierta del catálogo de la exposición Constructores
de quimeras: Directores artísticos del cine español.

Los materiales del futuro museo podrán estar agrupados también de forma cronológica o separados por departamentos, como el de Arte, por lo que su orden, selección y disposición, serán diferentes. Una de las formas de exhibirlos es la que adopté para la exposición Constructores de quimeras: Directores artísticos del cine español, organizada por la Filmoteca Española con la Comunidad y el Ayuntamiento de Madrid, y celebrada en 1999 en el Centro Cultural del Conde Duque. En ella además de mostrar unos objetos interesantes por sí mismos, se seguía un orden que se corresponde con el método de trabajo de sus creadores en aquel entonces, cumpliendo el objetivo de difundir el trabajo de los escenógrafos cinematográficos.

Se comenzaba con unos guiones con anotaciones y dibujos de los directores artísticos, para que se viera cómo empieza su creación desde el principio; después se pasaba a la documentación necesaria para crear los espacios, concretamente unos croquis hechos a lápiz por Sigfrido Burmann, así como unos álbumes con fotos antiguas de Lanzarote recopilados por Félix Murcia para Mararía; luego se mostraba el trabajo de localizar los lugares para los rodajes, como con unos montajes fotográficos hechos por Murcia en Madrid para Luces de Bohemia, y unas fotografías de construcciones existentes en Lanzarote hechas por Murcia, con unos papeles transparentes encima para saber cómo se iban a transformar esos sitios para Mararía; los profesionales también idean cómo van a verse escenas que no son estrictamente escenográficos, como un dibujo de Emilio Ruiz del Río de un bombardeo para El largo día del águila, en este apartado están incluidos los storyboards o guiones gráficos, que en España suelen estar creados por los propios directores como José Luis Borau, Álex de la Iglesia y Carlos Saura, pero también existen los del conocido pintor y escenógrafo Manuel Mampaso para producciones extranjeras rodadas en España; el siguiente paso son ya los bocetos y dibujos en perspectiva de cómo quedarán los espacios, creados con las más diversas técnicas, desde el lápiz, al ordenador,  pasando por la acuarela, guache, tinta y los collages; después esos bocetos, una vez aprobados, se han de transformar en planos, como los de cualquier proyecto de edificación arquitectónico, para que puedan ser levantados por los constructores de decorados, debiéndose mostrar las variadas técnicas de esa construcción; hay que tener en cuenta además que en España varios directores artísticos también se encargaron de hacer "trucos", lo que ahora hacen los técnicos de efectos especiales, entre ellos Burmann, Alarcón, Schild, Ramiro Gómez y el antes mencionado Emilio Ruiz del Río; respecto a las maquetas físicas, corpóreas, pueden ser de trabajo, representando a escala reducida un espacio cinematográfico o pueden usarse para los trucajes, colocadas delante de la cámara --como los cristales pintados-- para ocultar y/o reproducir un espacio a una escala real; hay además que exponer piezas de atrezo, muebles y objetos, importantes en el desarrollo de las tramas de las películas y también mostrar en pantallas los sistemas de representación digitales usados en la actualidad. Aquella exposición se celebró en la Sala de Bóvedas del Centro Cultural citado y tras pasar por varias salas agrupadas linealmente, se llegaba al final a una gran sala a dos alturas, con una escalera que daba acceso al espacio inferior, en él que se construyó una imitación de un plató de rodaje con muebles, atrezo y focos, de forma que al bajar se pasaba por debajo de la parte posterior de un decorado, viéndose cómo estaba construido. Otra peculiaridad importante es que la mayoría de los bocetos estaban junto a fotogramas de las películas correspondientes, mostrando el resultado final visto por el público en las pantallas.

Por lo tanto, los materiales relacionados con la escenografía cinematográfica que se deberían exponer en un museo son los siguientes:

Guiones anotados y sus desgloses - Documentación gráfica y descriptiva de lugares y épocas, dibujos, fotografías, vídeos - Ideas para escenas ,storyboards - Croquis rápidos a mano y línea - Bocetos y dibujos a color - Collages - Planos técnicos, plantas, alzados, secciones y detalles constructivos - Maquetas de trabajo y para efectos especiales - Partes de decorados construidos - Atrezo - Pantallas con material digitalizado y programas informáticos.

Hasta aquí un adelanto preliminar de lo que podría verse en un futuro y esperado Museo del Cine.

El cine y las artes

Sesión plenaria, 11 de marzo, con Anabela Branco de Oliveira

En el 2017 unos profesores portugueses se pusieron en contacto conmigo para que participase en el primer Encontro internacional O Cinema e as Outras Artes que se iba a celebrar los días 28 y 29 de septiembre en la Universidad de Beira Interior, incluyéndome además en su Comité Científico. 

Desde entonces he intentado asistir a estos encuentros, pero nunca he podido, en noviembre del año pasado, me enviaron un correo invitándome a dar una conferencia y acepté encantado a formar parte de su novena edición, celebrada en la universidad citada entre los días 11 y 13 de marzo pasados.

Su comisión organizadora estaba compuesta este año por Anabela Branco de Oliveira, Liliana Rosa, Mariana Schwartz, Nélson Araújo y Tiago Vieira da Silva. El programa fue muy interesante y vale la pena reproducirlo completo:

11 de marzo.

PAINEL 1 – SONORIDADES

Paulo Dias - A organização musical de One Flew Over the Cuckoo's Nest

Helder Gonçalves - Cinema documental e justiça histórica: The Ballad of Don Lewis como meio de revisão da narrativa dominante da música eletrónica

Sonia Carlos García - La construcción del miedo en la adaptación sonora de la novela La vieja señora Jones, de Charlotte Riddell, realizada por Mona León Siminiani

PAINEL 2 – CINEMA E LITERATURA

Adilson Manico – A verossimilhança discursiva do angolano no cruzamento dialógico entre a literatura e o cinema: projeto de transposição fílmica da obra de Uanhenga Xitu

Francisco Penelas – A travessia dos esgotos de Paris: intermedialidades entre Victor Hugo, Bille August, Tom Hopper, R. Livingstone e Daniel Bardet.

Eugénia Pereira - Quem fala em L’Étranger? Enunciação e interioridade entre Camus, Visconti e Ferrandez

Sessão Plenária

Jorge Gorostiza - Ficción vs. Realidad.. Cine y Arquitectura

PAINEL 3 – CONJETURAS CINEMÁTICAS

Alexandre Martins, Mirian Tavares, Bruno Mendes da Silva e Ana Gavina - O ensaio audiovisual e a montagem digital na ressignificação do manuscrito “A Mulher e o Cinema” 

Sérgio Bordalo e Sá - “Terpsicore”: a problemática das imagens num arquivo de dança

Juan Domínguez - Simetría matemática y la cifra 666 en Una paloma se posó en una rama a reflexionar sobre la existencia (2014) de Roy Andersson

12 de marzo

PAINEL 4 – CINEMA E FOTOGRAFIA

Isabel Pina - O cinema na fotografia (estereoscópica) Aurelio de Paz dos Reis – estética e experiências visuais

Luana Lobato - CISMA Lab: criação partilhada e experimentações entre fotografia e cinema na constituição de microterritórios da imagem

Dária Salgado - A Paisagem como Dispositivo Cinematográfico na Prática Fotográfica de Jeff Wall

PAINEL 5 – DESENHOS CINEMATOGRÁFICOS

Ana Isabel Albuquerque - Drawing, motion, silence: action!

Isabel Aboim Inglês - O inefável imaginado - A materialidade e imaterialidade da imaginação.

Sessão Plenária

Pedro Serrazina – Ainda sem Titulo

PAINEL 6 – CONJETURAS CINEMÁTICAS

Maria Mire - Os dispositivos escopicos em Prison Images de Harun Farocki

João Labriola - Um Acidente Controlado

Tony Costa - O Estúdio Virtual e o Ensino

13 de marzo

PAINEL 7 – CINEMA DE ANIMAÇÃO

António Costa Valente - Entre o Desenho e a Televisão: Sandra Pereira, Margarida Terra e a Série Alfredo

António Rebelo - A descontinuidade da memória em Thomas o Obscuro e A Eternidade e um Dia: modos poéticos de flutuação entre a presença e a ausência 

Luís Filipe Rodrigues - A Barriga de um Arquiteto (Peter Greenaway) - A obsessão na incubação o nascimento de uma obra idealizada

PAINEL 8 – CINEMA E PINTURA

Marta Pinho Alves - A Construção Pictórica do Plano em Mal Viver e Viver Mal: manifestações da pintura na obra de João Canijo.

Hélder Nóbrega e João de Lima Gomes - A estética portinariana no filme Aruanda

Desgraciadamente no pude asistir a todas las ponencias, pero entre las que estuve, destaco por orden de intervención, las de los profesores españoles --creo que los únicos en este Encuentro-- Sonia Carlos García y Juan José Domínguez López, la artista y diseñadora Dária Salgado, la cineasta portuguesa Isabel Aboim Inglez, la del profesor y director del Festival de Cine de Avanca Antonio Costa Valente, la investigadora Marta Pinho Alves, así como la del director brasileño Hélder Nobrega.

Como ya ha sucedido otros años, todas las ponencias y las dos sesiones plenarias se publicarán en un libro que se piensa publicar antes del final de este año.

Congreso H, 2026

A continuación copio el comunicado que han enviado los organizadores del Congreso H de este año, junto con un vídeo que se puede ver aquí  en el que hablo sobre la nueva línea de investigación:

Comparto la convocatoria del Congreso H, en el que participo como vicedirector de la nueva línea «Islas (paisajes, identidad y sostenibilidad)»

• Online: *27–29 de mayo* (horarios compatibles LATAM/Europa)

• Presencial: *3–6 de junio* (Lanzarote)

• Límite para enviar resumen: *1 de marzo de 2026*

Las líneas temáticas abarcan ecosistemas digitales y redes sociales; publicidad, comunicación y marketing; política y activismo digital; cine, fotografía y productos audiovisuales; plataformas de streaming; retos de la academia en comunicación, además de la línea especial 2026: «Islas (paisajes, identidad y sostenibilidad)».

Se puede participar online o presencialmente. En la modalidad presencial hay tres formatos: mesas temáticas (Zona Teatro), formato expositivo al aire libre (Zona Playas) y *Modalidad Debate*, centrada en el intercambio académico sin presentaciones PPT.

En ediciones anteriores ha habido opciones de publicación en editoriales como Tirant lo Blanch, Peter Lang, Fragua y Gedisa, y en monográficos de revistas indexadas como aDResearch, Comunicación y Medios, Dixit, Fotocinema, Miguel Hernández Journal, Palabra Clave y Revista Austral de Comunicación.

Toda la información está en la web https://www.congresoh.com, si hay alguna duda se puede escribir al email: info@congresohermes.com

Añado además el texto que escribí para introducir la línea «Islas»:

La definición oficial de la palabra isla se refiere a una porción de tierra rodeada de agua por todas partes, un territorio cerrado al que solo se puede acceder gracias a medios de transporte marítimos y aéreos, y donde a veces abandonarla es muy complicado. Un lugar que por su singularidad puede ser para unos un paraíso y para otros un infierno.

Aunque se tenga una idea general de lo que es una isla, su variedad es notable, reales, imaginarias, desaparecidas, utópicas, naturales, construidas por los seres humanos, móviles flotando sobre el mar, que surgen y se desvanecen como San Borondón; lo mismo sucede con la fauna que las habita, reclusos, indígenas, muertos y las más extrañas criaturas. Las islas más allá de un accidente geográfico se han convertido en territorios míticos, enraizados en el inconsciente colectivo, gracias a la literatura y por supuesto a sus representaciones en las pantallas.

Sus dimensiones también son muy diversas, la palabra isla deriva del latín ínsula que significa lugar pequeño, casi un islote, pero además hay territorios aislados, rodeados de agua muy extensos, como Groenlandia y Madagascar, e incluso, ciudades isla: Venecia y Ámsterdam, y otras que tienen la misma dimensión que capitales, como, Tenerife y Madrid.

Las grandes amenazas globales para la humanidad en la actualidad, medioambientales, sociales, económicos, de pobreza y sanidad, conflictos armados, violencia y brecha de género, se acentúan en territorios insulares, por su extrema vulnerabilidad a todas ellas. El cambio climático provoca el aumento del nivel de los océanos, amenazando a islas que están a punto de desaparecer, la pérdida de su biodiversidad, la invasión biológica de especies foráneas, así como la contaminación de los mares y por tanto de las costas. Además, las islas han de saber afrontar los problemas generados en sus territorios, gestión de residuos, superpoblación, desempleo, desigualdad, sobre explotación de los recursos y corrupción, a los que se debe añadir el control geológico en islas volcánicas como Canarias.

La cuestión es saber discernir cómo los medios de comunicación y los audiovisuales están afrontando y reflejando estos problemas, si sirven para alertar o para alentar estas situaciones críticas, acatando o eludiendo a los poderes públicos y económicos.

Los territorios insulares además provocan efectos en sus habitantes porque, se sienten aislados, una palabra que viene de isla, separados por límites a veces mentales que no pueden ser atravesados, al mismo tiempo, los isleños aumentan psicológicamente las dimensiones de las islas para no sentirse atrapados en unos límites que pueden llegar a amedrentar, pero que también tienen efectos beneficiosos, cuando se elige voluntariamente el recogimiento producido por el aislamiento.

En el siglo XVII John Donne escribió: «ningún hombre es una isla», abogando porque la humanidad había de estar unida, pero en la actualidad los seres humanos están conectados con todo el planeta, gracias a la tecnología y al mismo tiempo cada vez más aislados de su entorno inmediato y de la realidad, como los hikikomori aislados dentro de sus islotes domésticos, y como otras islas dentro de todas las ciudades y no solo mentales, por ejemplo las que surgen entre las vías de tráfico rodado, como en la que queda confinado el protagonista de la novela de Ballard, La isla de cemento.

En La isla misteriosa de Verne, cuando el ingeniero Cyrus Smith se despierta les pregunta a los otros náufragos: «¿Isla o continente?». Esta diferenciación entre lo dos tipos de territorio es una cuestión fundamental, no solo para que alguien abandonado pueda sobrevivir, sino también para conocer cuál es la situación incluso personal de cualquiera ser humano.

Sublíneas

1.- La problemática de los medios de comunicación en territorios limitados.

2.- Enclaves reducidos, su construcción y deterioro, propiciados por intereses económicos y su reflejo en los medios.

3.- Desarrollo urbanístico y arquitectura en islas, la lucha por respetar al medio ambiente. Lanzarote y el ejemplo de César Manrique.

4.- Violencia y brecha de género en ámbitos insulares.

5.- Características diferenciadoras de los archipiélagos como escenarios de ficción y su posibilidad de representar cualquier lugar.

6.- Rodajes en islas. Problemas y ventajas. Subvenciones y costes de la insularidad.

7.- El aislamiento reflejado en las pantallas. Desde robinsones hasta cosmonautas perdidos.

8.- Narraciones audiovisuales de tránsitos entre islas y continentes, bucaneros, navegaciones, cartografías y descubrimientos.

9.- Islas en series de televisión, desde la comedia, al fantástico, pasando por el policiaco.

10.- Imágenes y análisis sobre los visitantes como generadores de recursos económicos, influencia del turismo en territorios frágiles.

11.- Las Islas Canarias a través de los medios y su representación en las pantallas.

Mejores películas (y series) de 2025

La revista digital Miradas de Cine es una de las más antiguas en las redes, ya que se publica desde 2002, hace más de veinte años. Hace unas semanas me solicitaron la relación de cuáles habían sido según mi criterio las, según especifican: «10 películas y/o series estrenadas en España en 2025 en salas o plataformas».
Antes ya habían confiado en mis opiniones, busqué en mis archivos y he visto que llevo colaborando con ellos desde hace mucho tiempo, nueve años desde 2016, y que además he publicado en este blog las listas de 2020, 2021, 2022, 2023. y 2024. Según los datos que han publicado aquí, este año hemos participado cuarenta y dos personas, que elegimos en total ciento cuarenta y nueve películas diferentes, el título más votado ha sido elegido por más de la mitad de los encuestados, por el 56%, mientras que el segundo lo ha logrado con el 35%. En el momento de publicar esta entrada aún no han aparecido cuáles han sido las películas con más votos de este año, pero se irán publicando en lo próximos días.

Ya he escrito varias veces que me cuesta mucho elegir las películas para estas listas, porque casi siempre es complicado escoger entre títulos que son igual de interesantes; de todos modos, no me importa hacerlo, porque para mí es un honor poder colaborar con cualquier publicación, siempre que intente aportar algo nuevo, como sucede con Miradas de Cine. 
Mi lista del 2025 la he planteado, como siempre, por orden alfabético y es la siguiente:

A la deriva (Feng Liu Yi Dai, Jia Zhangke)

Black Dog (Gou zhen, Guan Hu)
Blue Moon (Richard Linklater)
La luz que imaginamos (All We Imagine as Light, Payal Kapadia)
Misericordia (Miséricorde, Alain Guiraudie)

Profanación (The Shrouds, David Cronenberg)

Spectateus! (Arnaud Desplechin)

The Mastermind (Kelly Reichardt)

Una batalla tras otra (One Battle After Another, Paul Thomas Anderson)

Valor sentimental (Sentimental Value, Joachim Trier)

Además de las diez mejores películas, solicitan: «Opcionalmente, un texto libre donde podéis hablar de lo que os apetezca, relacionado con el audiovisual de este año que termina, por ejemplo para reivindicar algo que habéis visto y no se ha estrenado y quizá no lo haga nunca, para cagaros en el crecimiento exponencial de las películas navideñas con carteles clónicos y horrendos (esto nunca cambia), o aportar listas alternativas, desmitificar títulos, personas o personajes, reflexionar sobre el triángulo Warner, Netflix, Paramount, por qué South Park mola más que los Simpson (o viceversa, que para eso son las opiniones, aunque algunas estén erradas), si alguna vez terminará la saga Avatar, o por qué Anaconda es la película de estas navidades... Lo que queráis, vaya». 

Un inciso, da la casualidad que he visto las dos últimas películas de Avatar el 24 y el 31 de diciembre por la noche, y además la primera cinta de 2026 ha sido Anaconda, con la seguridad que será casi imposible ver algo peor en este año que comienza.

En este apartado, como nunca he podido valorar las películas junto a las series, he añadido, ordenadas alfabéticamente las mejores temporadas de series que he visto en 2025:

Adolescence (Stephen Graham, Jack Thorne)

El eternauta, T1 (Bruno Stagnano)

Mussolini, el hijo del siglo, T1 (Joe Wright)

Severance, T2 (Dan Erickson)

Slow Horses, T5 /Will Smith)

Este año me he centrado en ver cine español, de hecho he logrado ver doscientas sesenta y una, para una investigación que estamos desarrollando, pero hay otros títulos notables --sin contar con las películas ya mencionadas en la anterior entrada de este blog, sobre los premios Goya-- que reseño a continuación, también en orden alfabético:

                    

                    Amor en Oslo (Kjaerlighet, Dag Johan Haugerud) 

                    Cloud (Kuraudo, Kyoshi Kurosawa)

                    Dreams, sueños (Dreams, Michel Franco)

                    Die My Love (Lynne Ramsay)

                    La vida de Chuck (The Life of Chuck, Mike Flanagan)

                    Oh Canadá (Oh, Canada, Paul Schrader)                    

                    Secretos de un crimen (Santosh, Sandhia Suri)

                    El volcán (Pod wulkanem, Damian Kocur) 

                    Warfare: Tiempo de guerra (Warfare, Ray Mendoza, Alex Garland)

Como ya he escrito al final de las listas anteriores: «Espero que estas listas le puedan servir a alguien para descubrir y, sobre todo, disfrutar con nuevas películas y series.

Premios Goya, 2026

Hoy 8 de enero a las 14:00, hora peninsular española, se ha cerrado el plazo para que los miembros de la Academia de las Artes y las Ciencias Cinematográficas de España, realizáramos la votación de la primera ronda para la cuarenta edición de los Premios Goya, correspondientes a este año. 
Esta votación es secreta como siempre, pero dudo mucho que publicar la lista de las películas que he seleccionado, influya en alguien o lo perjudique, con esta tradición que ya hice los cinco años anteriores, en 2021, 2022, 2023, 2024, y 2025, y que es una de las pocas de fin de año en la que participo.

Afortunadamente en esta edición me ha dado tiempo de ver todos los cortometrajes de las tres categorías: ficción, documental y animación, comprobando su calidad pero también que ha sucedido lo mismo que en la pasada edición, cuando la mayoría, como escribí entonces: «plantean sin mucha convicción, una serie de cuestiones argumentales, narradas de forma muy convencional, casi "lugares comunes", que podrían servirles para ganar el premio» por la actualidad de lo planteado y lo "candente" del tema; por eso, como también escribí en 2024, «he votado --sobre todo en ficción y documental-- por los más insólitos, innovadores y diferentes a todos los demás, que plantean esas cuestiones antes mencionadas».

Como he escrito en otras entradas anteriores relacionadas con este premio, mis votaciones «no creo que les interesen a muchas personas y si acaso, teniendo en cuenta las películas que he seleccionado, podrán criticar o asombrarse con mi forma de entender el cine actual»:

Una peculiaridad de este año, que ya lleva vigente desde hace tiempo, es que se permite votar a cinco candidatos en cada categoría, sin embargo, sigo eligiendo solo a uno, porque me parece más apropiado y justo. 

                Largometraje: Romería, Carla Simón.
                Largometraje documental: Tardes de soledad, Albert Serra.
                Largometraje de animación: Decorado, Alberto Vázquez.
                Largometraje iberoamericano: No nos moverán, Pierre Saint-Martin (México)
                Largometraje europeo: Valor sentimental (Affeksjonsverdi) Joachim Trier (Noruega)
                Cortometraje de ficción: La sangre, Joaquín León
                Cortometraje documental: Le prime volte, Giulia Cosentino, Perla Sardella.
                Cortometraje de animación: Azkena, Ane Inés Landeta, Lorea Lyons.

He estado revisando mis votaciones desde 2021 y es curioso que desde entonces haya votado como mejor película iberoamericana a la que representa a México: Ya no estoy aquí (Fernando Frías), Los lobos (Samuel Kishi), Noche de fuego (Tatiana Huezo), El norte sobre el vacío (Alejandra Márquez Abella) y Sujo, (Ástrid Romero, Fernanda Valadez).

Mencionaré otras películas notables de esta edición, ordenadas alfabéticamente:

                    Ciudad sin sueño (Guillermo Galoe)

                    Las delicias del jardín (Fernando Colomo)

                    Madrid EXT. (Juan Cavestany)

                    Parenostre (Manuel Huerga)         

                    Sirât (Oliver Laxe)

                    Un simple accidente (Jafar Panahi)

                    Una quinta portuguesa (Avelina Prat)

                

Termino escribiendo lo mismo que en años anteriores: «las películas a las que voto rara vez son nominadas, pero es algo que no importa, porque sigo creyendo que mis favoritas son las más interesantes del año, aunque sin duda pueda haber otras también muy estimables. Publico mi lista, pensando que a los cineastas que han trabajado en los títulos elegidos, puede gustarles saber que por lo menos a un espectador --en la mayoría de ellas a muchos más-- les han parecido estupendas».

ACTUALIZACIÓN 13 DE ENERO DE 2026

La Academia acaba de comunicar hace pocas horas, las películas nominadas a los Premios Goya de esta edición, y este año estoy especialmente orgulloso, porque solo he coincidido en tres categorías: los largometrajes documental --hubiera sido increíble que no nominaran Tardes de soledad-- de animación y europeo, el segundo era fácil porque solo se inscribieron nueve películas y se han nominado cinco. Una coincidencia más que en la edición pasada. Sigo creyendo en los títulos que elegí, son los más interesantes, y ahora --como todos los años-- votaré a las que pienso que son las mejores entre las nominadas.

Un dúplex en Brooklyn. Spike Lee reinterpreta a Kurosawa

Uno de los carteles de la película en el
que los rascacielos neoyorquinos se
convierten en la cara de la estrella.

En 2020, casi al principio del confinamiento por la pandemia del COVID 19, escribí una entrada para este blog titulado «La casa Gondo en El infierno del odio», sobre la película Tengoku to jigoku (Cielo y tierra traducido al castellano), dirigida por Akira Kurosawa en 1963, titulada en España El infierno del odio, High and Low en Estados Unidos y La casa de la colina en Argentina. 

Efectivamente, como escribía en aquella entrada, esos títulos «se refieren a la posición de la mansión donde vive el protagonista, Kingo Gondo (Toshiro Mifume), un acaudalado ejecutivo de una fábrica de calzado, en lo alto de una colina», en su argumento se narra cómo secuestran a un niño, pensando que es su hijo, pero en realidades es el de su chófer, y cómo a pesar de estar. prácticamente arruinado decide pagar el dinero que le solicitan.

Escribo esta introducción, porque hace unos meses se ha estrenado Highest 2 Lowest, dirigida por Spike Lee y titulada en nuestro país como Del cielo al infierno, una nueva versión de la película antes citada dirigida por Kurosawa, que a su vez se basaba en la novela estadounidense King's Ransom: An 87th Precinct Mistery escrita por Ed McBain (Evan Hunter). 

En esta última el protagonista, David King (Denzel Washington), no se dedica a la fabricación de zapatos, sino a algo mucho más glamuroso para la sociedad estadounidense, a producir música, aunque también tiene problemas económicos. El argumento es muy parecido, pero con un ritmo propio de las películas comerciales actuales, olvidando casi todo el desarrollo de la investigación, así como las características y evolución de los personajes en los que incidía con su maestría habitual Kurosawa.

Lo que interesa en este blog es la arquitectura, en este caso, en vez de la casa Gondo, el ático - dúplex King, que no está en lo alto de una colina en Yokohama, sino en la parte superior de un rascacielos en Brooklyn, al lado del famoso puente que atraviesa el río Este hacia Manhattan. Según un artículo de la CNBC, se rodó en una vivienda que ocupa toda la penúltima planta, la treinta y dos, de un edificio muy poco notable, el Olympia Dumbo, --un nombre tan kitsch como Disney, aunque no tenga relación con ese personaje-- que, diseñado por Hill West Architects, tiene una superficie de cuatrocientos cincuenta y ocho metros cuadrados, una terraza de cincuenta, cinco dormitorios y cuesta, o costaba, alrededor de veinte millones de dólares. 

Para filmar esta película, también se construyó el interior de la vivienda en un estudio, añadiéndole la escalera de caracol y la planta alta, usando como forillos en los ventanales grandes fotografías de Nueva York hechas desde el piso real. El diseñador de producción de la película es Mark Friedberg y son curiosas sus declaraciones diciendo que odia a un edificio situado al lado del puente de Brooklyn y lo borró digitalmente en la película.

Comienzo del movimiento de cámara hacia la vivienda del
protagonista en la penúltima planta

Los títulos de crédito de Del cielo al infierno van apareciendo superpuestos a unos planos rodados con un dron --¡cómo no!-- del rascacielos y sus alrededores mientras va amaneciendo y se oye Oh What a Beautiful Mornin cantada por Norm Lewis, recuerden que con esta canción se inicia Oklahoma! --recomiendo Blue Moon dirigida por Richard Linklater este año, en la que se hacen consideraciones bastante ácidas sobre este musical--, una melodía optimista sobre el comienzo de una jornada llena de esperanzas; al final de los títulos, la cámara va ascendiendo desde abajo, acercándose a lo alto del edificio, a la planta donde está la vivienda del protagonista, que se encuentra en la terraza hablando por su teléfono móvil.

Final de movimiento ascendente

Spike Lee ha prescindido casi por completo de algo crucial en la película de Kurosawa, la visión desde abajo de la vivienda de los protagonistas, recuérdese que esta última, el secuestrador veía desde su casa el chalé de Gondo y gracias a sus amplios ventanales incluso podía mirar el interior del salón con un telescopio; en la dirigida por Lee el secuestrador le dice a King que desde el puente de Brooklyn mira la terraza de su piso, pero evidentemente, es imposible que observe el interior de un piso situado en una planta treinta y dos. 

Estas relaciones entre abajo y arriba, sugeridas por los títulos de la novela y las películas, así como entre dentro y fuera, que Spike Lee no explora, ni parecen interesarle, son fundamentales en el argumento de la película japonesa y se logran gracias al edificio, a la casa Gondo, poco interesante desde e punto de vista arquitectónico, pero usada de un modo extraordinario por Akira Kurosawa.

Dirección artística, adanismo e ignorancia

ECAM, 17 de octubre, con Benjamín Fernández,
Félix Murcia y Josep Rosell.

El pasado 17 de octubre, la Asociación Española de Dirección Artística Audiovisual (AEDAA) sobre la que ya he escrito en este blog, tuvo la gentileza de invitarme a un acto celebrado en la ECAM, que consistió en presentar a tres nuevos miembros de honor de esa asociación: Benjamín Fernández, Félix Murcia y Josep Rosell. Coincidiendo con la primera jornada de la International Production Design Week (IPDW), un importante evento internacional celebrado cada dos años, en el que han colaborado profesionales de todo el mundo, siendo retransmitido en directo y a disposición de quienes deseen verlo, por ejemplo a través de la lista de reproducción de la AEDAA.

En esa presentación hablé de algunos aspectos que pueden ser interesantes. Después de los agradecimientos y mencionar lo importante que era para mí estar rodeado de grandes profesionales y amigos, expresé mis temores ante dos actitudes actuales, que considero "enfermedades", la primera es el Adanismo que está perfectamente definida por la RAE como «Hábito de comenzar una actividad cualquiera como si nadie la hubiera ejercitado anteriormente», esto es algo que sucede cada vez más, sobre todo, a políticos, artistas y otros profesionales, casi siempre jóvenes, creyendo no necesitar lo sucedido antes que empezaran a trabajar, porque no quieren "contaminarse" siendo autosuficientes, creyendo dominar todos los conocimientos, al mismo tiempo despreciando el excelente trabajo que han realizado muchos otros antes de ellos.

La otra "enfermedad" es el Edadismo, definida también por la RAE como «Discriminación por razón de edad, especialmente de las personas mayores o ancianas», propia de los jóvenes y que sumada a la anterior se han convertido en uno de los peores síntomas de esta sociedad actual.

Lo cierto es que en muchas ocasiones estos problemas están provocados por los profesores de los jóvenes, que a veces también desconocen cuáles fueron las importantísimas trayectorias profesionales de sus antecesores. En esta jornada un notable director artístico --todavía joven--, comentó que había asistido a una conferencia de un gran maestro español de la escenografía cinematográfica y salió decepcionado, porque no le explicó cómo había realizado sus trabajos, lo que es lógico, porque esa no era la función de la conferencia, sino la del programa de una escuela.

Es comprensible los alumnos quieran aprender fórmulas para ejercer su trabajo al salir de las escuelas, que les interese más la práctica que la teoría, pero lo que no comprenden es que no puede existir la primera sin la segunda.

Hace muchos años oí a José Luis Borau que lo más importante para aprender a hacer cine era ver películas, por supuesto, con un espíritu crítico.

Que un alumno de escenografía cinematográfica no sepa quienes fueron y qué hicieron analizando su obra, entre otros muchos, Gibbons, Trauner, Alarcón y Bürmann, es como si un alumno de dirección no conociera a Ford, Ozu, Berlanga y Saura.

Afortunadamente desde el libro Directores artísticos del cine español, publicado en 1997, se han ido publicando otros trabajos que han dado a conocer el estupendo trabajo de los profesionales españoles, incluso tesis doctorales como las escritas por María Encarnación Palazón Campillo en 2015, sobre Félix Murcia; la de Puerto Collado en 2022, sobre Benjamín Fernández: y hoy acabo de tener noticias de otra, sobre Antxón Gómez, escrita por Ruth Barranco el año pasado, todas ellas sin haberse editado aun en papel.

Lo importante es que estas distinciones concedidas por la AEDAA no sirvan solo para premiar una labor importantísima, sino que además, funcionen como un acicate para que se conozca y analice la obra de estos maestros.

Para terminar, no se puede olvidar la ignorancia que todavía se tiene del trabajo fundamental que lleva a cabo esta profesión. En el último número de la revista Fotogramas, el de octubre de este año, se publica una entrevista que le hace Juan Antonio Bayona a Guillermo del Toro, el primero dice: «Una cosa que aprendí de ti es que cuando se dice que la fotografía es buena, en realidad están hablando del diseño de producción» y Del Toro responde: "Y cuando dices que el vestuario es bueno, están hablando de la fotografía".

La AEDAA lleva poco tiempo funcionando, pero ya está afrontando estos problemas con seriedad, inteligencia y determinación.

Descubriendo el paisaje de los Bustamante

Cubierta del libro.

Hace muy poco me ha llegado desde Talca el libro Descubriendo el paisaje arquitectónico de la Región del Maule a través del cine de los hermanos Bustamante, coordinado por José Luis Uribe Ortiz y publicado por Dostercios, con el apoyo del Ministerio de las Culturas, las Artes y el Patrimonio de Chile, la Escuela de Arquitectura de la Universidad de Talca, Studio Morza, la Cineteca de la Universidad de Chile y el Centro de Documentación Patrimonial de la Universidad de Talca.
Uribe se puso en contacto conmigo en agosto del año pasado solicitándome un artículo para este libro, reconozco que entonces no conocía la obra de los hermanos Juan Carlos y Patricio Bustamante y le contesté que antes de aceptar tenía que ver sus películas. Cuando lo hice, me quedé completamente sorprendido, me asombró su cercanía a las personas que retratan y al mismo tiempo su capacidad para encuadrar unos paisajes cambiantes y espectaculares.

Me enteré unos meses después que también habría otros artículos y además escritos por dos personas a las que admiro tanto en su faceta investigadora, como escritoras: Andrea Franco y Marcelo Vizcaíno.

Este año, también en agosto, cuando el libro estaba a punto de publicarse, le escribí un correo electrónico a José Luis, agradeciéndole que me lo fuera a mandar y añadí:: «La verdad es que disfruté mucho investigando y escribiendo mi artículo y espero que eso se note. Me interesaron la región del Maule y la personalidad de los hermanos Bustamante, vi y leí todas las entrevistas que encontré y en algún momento me pareció que llegaba a conocerlos en persona, por cierto, si tienes contacto con ellos, felicítalos de mi parte, porque creo que son unos artistas estupendos».

El libro comienza con un prólogo titulado «Filmar el habitar y construir: A modo de nota preliminar», escrito por José Luis Uribe; el primer capítulo «Domingo de gloria: Esencia y sustancia del Maule», es de Andrea Franco; el segundo vuelve a estar escrito por Uribe, «El Maule: Una revisión de la geografía y la arquitectura local como elementos narrativos»; el autor del tercero, «Vía crucis: Camino en (a) un paisaje centrípeto», es de Marcelo Vizcaíno;;y por fin el epílogo, «La bestia en el poste: Naturaleza y edificación en la obra de los hermanos Bustamante», es mi contribución a este libro.

En este blog suelo publicar solo los párrafos con que empiezan algunos de mis artículos, de «La bestia en el poste» basta con el primero:

En el plano inicial de la primera película de los hermanos Bustamante, Domingo de gloria, mientras se oye la canción Aquel amor, compuesta por el mexicano Agustín Lara, se ve una llanura con una serie de hogueras diseminadas entre cultivos agrícolas. Ya desde ese plano se puede comprobar el interés de los cineastas por mostrar un territorio en el que ha intervenido el ser humano, acompañado por una melodía nostálgica sobre el final de una relación y además de una época dichosa. Este plano aparece otras dos veces en la película sin la canción y es usado para finalizarla con la misma música, porque tras ese domingo que ha visto el espectador, todo va a volver a repetirse o quizás ese día distinto a los demás porque se descansa, no haya llegado a transcurrir.

Estoy seguro que Descubriendo el paisaje arquitectónico de la Región del Maule a través del cine de los hermanos Bustamante es un hito importante en los estudios de las relaciones entre el cine, la arquitectura y la ciudad, y al mismo tiempo que servirá para difundir la extraordinaria obra de los hermanos Bustamante.

Gaudí - Teshigahara

Cartel de la película.

Hace poco he estado en Oviedo, porque el Colegio Oficial de Arquitectos de Asturias y el coordinador del I Ciclo de Cine y Arquitectura, Daniel Trapiello, me habían invitado a un debate con los espectadores después de asistir a la proyección en los Cines Embajadores Foncalada, del largometraje Antonio Gaudí, dirigido por Hiroshi Teshigahara en 1984.

Como siempre, preparé mi intervención --no demasiado larga en esta ocasión-- para intentar dar un enfoque original a esta película y a su director, y como creo que puede ser interesante, publico aquí un extracto de esa intervención.

Conviene empezar por Gaudí que, sin duda es una estrella de la arquitectura --quizás a su pesar--, entre el público en general y los turistas en particular, pero además es una estrella de la imagen en movimiento, gracias a la aparición de sus edificaciones en las pantallas.

Una de las primeras en el cortometraje documental español de diez minutos de duración Gaudí, dirigido por Emilio Rivas, en 1943. Casi una década después, en 1952, el formidable fotógrafo Francesc Català-Roca con Anastasio Calzada filmaron Piedras vivas, que obtuvo la medalla de oro a la mejor película en blanco y negro en el Festival de Cine Amateur de Ancona, Es curioso que el tercer cortometraje sea Gaudí, Catalunya rodado en 16 mm. en 1959, con una duración de 19 minutos y dirigido por Hiroshi Teshigahara, cuando viajó a España acompañado por su padre.

Se puede seguir por orden cronológico con las películas sobre el arquitecto catalán, pero basta con saber que directores como el joven Ken Russell filmó uno para la BBC en 1961, y que en 1962, el arquitecto Mauro Richetti con otro, obtuvo el primer premio en el Festival de la Ciencia de Pavía. 

Respecto a Televisión Española, pronto comenzaron a producir películas sobre Gaudí, aumentando su número con la inauguración de los estudios en Cataluña, dirigidos por reconocidos cineastas. como Jesús Fernández Santos, Miguel Lluch, Antoni Verdaguer y Antonio J. Betancor.

En cuanto al NO-DO, el arquitecto no tuvo tanta suerte y solo se le menciona en cuatro: 

1951. El templo expiatorio de la Sagrada Familia en Barcelona. Visitantes extranjeros admiran la obra de Gaudí

1956. Exposición Gaudí. En el Salón del Tinell de Barcelona. Muestras de la obra del arquitecto

1956. Pintura excéntrica. Conferencia de Salvador Dalí en el Parque Güell de Barcelona. Un cuadro hecho con alquitrán

1964. Actualidad Nacional, el Jefe del Estado en la EXCO, inauguró la exposición de Gaudí.

Respecto a las obras de ficción, en mi libro La imagen supuesta: Arquitectos en el cine. (Barcelona: Fundación Caja de Arquitectos, 1997) se recogían en total 375 películas --hoy en día he encontrado 2367-- en que un personaje figura ser arquitecto. Entre ellas el arquitecto real que más veces ha aparecido en las pantallas ha sido Albert Speer, en diecisiete, inevitablemente unido ala ascensión y caída de su mejor cliente. 

En España ha sido por supuesto Gaudí, primero en el largometraje, Gaudí, dirigida por José María Argemí, en 1960 --falleció el año siguiente con solo cuarenta años de edad--, en el que se da más importancia a su conversión al catolicismo que a su trabajo; en el mediometraje Antonio Gaudí… una visión inacabada, dirigida por el estadounidense John Alaino en 1974 y con José Luis López Vázquez interpretando al arquitecto, se mencionan más sus edificios; por último la película para televisión Gaudí una visión interrumpida, dirigida por Manuel Huerga, en 1988, es un "mockmentary" --un falso documental-- grabado para el Canal 33 de la Televisió de Catalunya, con supuestas imágenes encontradas del arquitecto y su entorno, aunque aún no se hayan encontrado imágenes en movimiento de Gaudí.

Actualmente el arquitecto es tan famoso que hasta ha sido un personaje de animación en dos episodios de Las tres mellizas --deberían ser las cuatrillizas--, Las tres mellizas y el taller de Gaudí, episodio 70, y su continuación Las tres mellizas y los fantasmas de la Pedrera, episodio 71, ambos creados por Roser Capdevila en 2002.

Finalizando con la ficción, no se debe olvidar que las edificaciones creadas por el arquitecto catalán, seguramente por sus formas, han figurado tener en el cine las más extrañas funciones, desde el Parque Güell, como los castillo de Fu Manchú, hasta la Sagrada Familia como sede de una peligrosa organización nazi que pretende dominar a todo nuestro planeta. Si están interesado por cómo usaron tres conocidos cineastas la cubierta de la Casa Milá, recomiendo la tesis doctoral La construcción de la ficción: Espacio arquitectónico, espacio cinematográfico.

Teshigahara cuenta con abundante información en Internet, gran maestro de Ikebana, como su padre, cineasta --ha dirigido veintidós películas--, ceramista, pintor, director de teatro y ópera, diseñador de jardines y autor de instalaciones, que alternan lo natural con lo artificial.

Por último hay una serie de aspectos por los que merece la pena ver el largometraje Antonio Gaudí

Captura de la película, cables, menús y expositores

Primero evidentemente por la obra de Gaudí. También como documento de una Barcelona de mediados de los ochenta, sin turistas y sin japoneses, con la gente disfrutando en la calle e incluso comiendo y bebiendo en una terraza ya desaparecida situada en el Parque Güell y en la que se habían adosado a las paredes cables eléctricos, expositores con tarjetas postales, menús y otros objetos muy poco apropiados para su configuración. Un documento que además muestra una visión lejana de un artista desde el Japón.

Segundo por varios aspectos de su realización:

• -- Eliminación de los denominados "bustos parlantes", intervenciones de especialistas y/o conocidos de Gaudi. Supresión también de la voz en over, sustituida por la impactante música de Junichi Segawa. Es curioso que esta premisa se abandone al entrevistar al arquitecto Isidre Puig Boada, que tenía entonces 93 años y murió tres años después, al que se ve brevemente y se le oye hablar en off sobre el ascetismo de Gaudí. No se debe olvidar que la supervisión es del también arquitecto Juan Bassegoda Nonell.
• -- Inclusión de las edificaciones en su entorno, gracias a encuadrarlas en planos generales de la ciudad..
• -- Atención tanto al conjunto de los edificios antes mencionado, como al detalle, por ejemplo, con primeros planos del trencadis.
• -- Empleo del movimiento de la cámara y por tanto del espectador, con trávelin y panorámicas, aportando un aspecto más completo que el uso solo de planos inmóviles.

Por último, se debe citar que el año pasado el especialista en cine japonés Antonio Santos, publicó el libro Jardines de piedra. Hiroshi Teshigahara. Cine, roca y bambú, editado por Shagrila y disponible en librerías, como por ejemplo la madrileña Ocho y Medio.