El polar francés

Cubierta del libro.

Como decía en la anterior entrada de este blog, he estado muy ocupado escribiendo un artículo complicado para un libro del próximo Festival de Sitges. Por eso, aún no había podido escribir aquí sobre el último número, el diecinueve, de la Colección Nosferatu, editado por Donostia Kultura, titulado «El polar francés: 1931 - 1982» y coordinado por Antonio José Navarro.

Sus autores son por orden alfabético: Carlos Aguilar, Tonio L. Alarcón, Ricardo Aldarondo, Quim Casas, Mar Corrales, Roberto Cueto, Roberto Curti, Tomás Fernández Valentí, Pablo Fernández Vegas, Eduardo Guillot, Elisa McCausland, el citado Antonio José Navarro, Luis Pérez Ochando, Jesús Palacios, Juan Andrés Pedrero Santos, Àngel Quintana, Aarón Rodríguez Serrano, Diego Salgado y yo.

Comencé a trabajar para este número a principios del año pasado y he de reconocer que disfruté mucho leyendo, investigando y viendo --y/o volviendo a ver-- en total ciento una películas, entre las que descubrí y recordé joyas de varios directores, entre ellos, Giles Grangier y Jean-Pierre Mocky.

Una vez publicado hay que decir que para mí es el trabajo más completo que se ha hecho sobre el polar, basta con comprobar la cantidad de temas que abarca, sus antecedentes literarios (Palacios), sus etapas (Navarro, Corrales, Rodríguez Serrano, Casas y Cueto), sus relaciones con la Nouvelle Vague (Quintana), con el cine fantástico (McCausland y Salgado) y con la literatura de su tiempo (Alarcón), así como el estudio de varias personalidades: Eddie Constantine (Aguilar), Mocky (Curti), Manchette (Guillot), Duvivier (Aldarondo), Melville (Fernández Valenti), Giovanni (Pérez Ochando), Clouzot (Pedrero Santos) y Corneau (Fernández Vegas). Como en los anteriores números de esta colección, al final hay dos índices, uno de películas y otro onomástico, algo extraño hoy en día, pero que es fundamental. También hay un artículo mío sobre la ciudad, titulado «Paisajes urbanos del polar», que comienza así:

En la pantalla se ve el skyline de una ciudad mientras amanece, comienza una panorámica hacia la izquierda, sobre tejados y chimeneas surge el perfil de la basílica del Sacré-Coeur, mientras tanto, van apareciendo los títulos de crédito de la película hasta que el movimiento se detiene, encuadrando una plaza con letreros luminosos de locales nocturnos entre ellos el Moulin Rouge, entonces hay un fundido encadenado mezclando esa imagen con un primer plano del rostro de Max (Jean Gabin), el protagonista de Touchez pas au grisbi (Jacques Becker, 1954), una superposición deliberada y significativa, porque liga en una sola imagen un lugar reconocible de París con el delincuente, identificándolo con su entorno natural, con la ciudad. 

Las peripecias de los personajes del polar francés se desarrollan rodeados por paisajes urbanos, que adquieren tanta importancia como otros elementos de la acción, entornos edificados que pueden pertenecer tanto a ciudades situadas en las dieciocho regiones administrativas francesas, como a París.

Como siempre, si quieren terminar de leerlo y, sobre todo, tener uno de los libros más completos sobre el polar, tendrán que adquirirlo aquí, o también en una librería como por ejemplo la estupenda Ocho y Medio.

10 libros de cine

Cubierta de Hitchcock Truffaut. El Cine
según Hitchcock, edición definitiva.

Claudio Utrera nos pidió a ocho escritores que escogiéramos los diez mejores libros de cine o los que más nos hubieran influido, justificando nuestra elección con una pequeña entradilla. Los participantes en esta encuesta fuimos por orden alfabético: Aurelio Carnero, Isabel Castells, Carlos F. Heredero, Luis Miranda, Jesús Palacios, Antonio Weinrichter, Jara Yañez y yo. Esta selección con un artículo de Claudio, se publicó en La Provincia el pasado Viernes Santo. Mi entradilla y los libros que elegí son los siguientes:

Es muy complicado hacer una lista con los mejores libros de cine, como lo es escoger las películas más interesantes filmadas en un periodo de tiempo, y mucho más ordenarlos según su importancia. Siempre me han atraído las ideas de los cineastas, ya sean narradas por ellos mismos, como Buñuel y Almendros, o a través de otros, como Truffaut y Bogdanovich -también cineastas- aun sabiendo que muchas veces no cuentan la verdad. Otros autores analizan a directores, Berriatúa, o una película, Pirro. Pero los más impresionantes son aquellos ensayistas que sorprenden abriendo caminos, como el colectivo coordinado por Rosenbaum y Martin, Quintana, Aumont y los Affron.

  1. François Truffaut: Hitchcock Truffaut. El Cine según Hitchcock: edición definitiva (Akal, 1991)

  2. Néstor Almendros: Días de una cámara (Seix Barral, 1991)

  3. Luis Buñuel: Mi último suspiro (Plaza y Janés, 1982)

 4. Jonathan Rosenbaum, Adrian Martin (coord..): Mutaciones del cine contemporáneo (errata naturae, 2010)

  5. Luciano Berriatúa: Los proverbios chinos de FW Murnau (Filmoteca Española, 1991)

  6. Ugo Pirro: Celuloide (Libertarias, 1990)

  7. Peter Bogdanovich: Ciudadano Welles (Grijalbo, 1994)

  8. Ángel Quintana: Después del cine: imagen y realidad en el cine digital (Acantilado, 2011)

  9. Jacques Aumont: La imagen (Paidós, 1992)

10. Charles Affron y Mireia Jona Affron: Sets in Motion: Art Direction and Film Narrative (Rutgers University Press, 1995)

Es curioso que entre los elegidos ni un solo libro está escrito por los participantes en la encuesta. Respecto a los títulos con más votos son, con tres votos, la entrevista de Truffaut con Hitchcock, aunque Carnero eligiera la edición reducida publicada por Alianza Editorial y ¿Qué es el cine? de Bazin; y con dos votos las memorias de Buñuel, el libro colectivo coordinado por Rosenbaum y Martin, Perseverancia de Daney, La narración en el cine de ficción de Bordwell y el clásico Praxis del cine de Burch.

Una encuesta interesante para descubrir libros a veces poco mencionados y además para recordar otros casi olvidados.

Las 100 mejores películas del cine español

Portada del nº 100 de caimán cuadernos de cine

Hace unos meses se pusieron en contacto conmigo para que participara en una encuesta sobre las mejores películas del cine español, que iba a publicarse en la revista caimán cuadernos de cine, para elegir un total de cien, tenía que elegir sólo diez y la verdad es que fue muy complicado, porque son muy pocas.
Se preguntó a trescientos cincuenta expertos, según la propia revista: «críticos, historiadores, periodistas dedicados al cine en todos los medios, historiadores, profesores, analistas, programadores, directores de festivales, hispanistas extranjeros especializados en cine español, así como intelectuales y escritores interesados por el cine», por cierto a mí me califican como «historiador y crítico», lo que agradezco mucho, aún sin estar muy seguro de pertenecer a alguna de esas profesiones.
Ahora esta encuesta acaba de publicarse en el número cien de esta revista imprescindible, y se comprueba que elegimos en total cuatrocientas cincuenta y cinco películas, siendo las cinco primeras las únicas que recibieron más de cien votos:
Como curiosidad se puede mencionar que hay trece documentales, sólo una producción para televisión, La cabina de Antonio Mercero; cuatro directores extranjeros y sólo seis películas dirigidas por mujeres. Los cinco directores más votados por orden son: Luis García Berlanga, Víctor Erice, Luis Buñuel, Pedro Almodóvar y Fernando Fernán-Gómez, aunque la película mejor clasificada de Almodóvar, Mujeres al borde de un ataque de nervios, está en el puesto vigésimo sexto, siendo el director con más películas en la lista, diecisiete, seguido por Saura, catorce; Berlanga, once; y Neville, diez. Más datos, todos elegimos al menos una película de Berlanga y sólo ocho no eligieron una de Erice. Una última reflexión muy personal, en las listas por orden alfabético suelo estar siempre al lado de Román Gubern, afortunadamente cada vez intervienen más personas jóvenes en las encuestas y en esta última han incluido a la profesora Ingrid Guardiola que debería estar entre nosotros dos, pero no es así, porque por un error la han colocado entre Álex Gorina y yo.

Es curioso comparar lo que voté con lo que ha salido y entre paréntesis, el número de personas que las votaron.

1.- El verdugo. 3ª (181)
2.- Viridiana. 1ª (227)
3.- El espíritu de la colmena. 2ª (207)
4.- Calle Mayor.11ª (68)
5.- La caza. 6ª (97)
6.- Furtivos. 19ª (51)
7.- En la ciudad de Sylvia. 74ª (6)
8.- Arrebato. 5ª (126)
9.- La tía Tula. 32ª (26)
10.- Nada. No está entre las 100, porque sólo la votamos Iván Gómez García y yo.

Este número, además de la editorial de Carlos F. Heredero, tiene artículos sobre cine español de Javier H. Estrada (Arrebato), Román Gubern (Viridiana), Carlos F. Heredero (Plácido), Eulàlia Iglesias (El extraño viaje), Fernando Lara, Carlos Losilla (La caza), Javier Maqua, José Enrique Monterde (El verdugo), Luis E. Parés, Gonzalo de Pedro, Jaime Pena (El espíritu de la colmena), Julio Pérez Perucha, Ángel Quintana (El desencanto), Carlos Reviriego (El mundo sigue) y Santos Zunzunegui (El sur), así como las secciones habituales, con críticas, festivales, DVD Blu-ray y libros.
La revista lleva unas semanas en los quioscos, o sea que no tienen escusa para comprarla inmediatamente.

Después del cine

Hacía bastante tiempo que quería escribir algo sobre el último libro de Ángel Quintana, Después del cine: Imagen y realidad en la era digital, publicado por Acantilado el año pasado -que ya le había editado Fábulas de lo visible: El cine como creador de realidades-, pero no había encontrado el momento. Antes de continuar tengo que aclarar que no es un volumen dedicado a estudiar las relaciones entre cine, arquitectura y ciudad, como otros sobre los que he escrito en este blog, sino que habla del cine en la actualidad, relacionándolo con el cine anterior, con asociaciones sorprendentes, por ejemplo, para comenzar a hablar de los cuerpos enlaza a Charlot prestamista (The Pawnshop, 1917) con los bichos azules de Avatar (James Cameron, 2009).
Hay mucho que comentar, he marcado muchos párrafos y he tomado un montón de notas sobre diversos temas, entre ellos por qué la historia del arte ha privilegiado la invención frente las imágenes y objetos que surgieron de un contacto con el mundo físico; que «lo propio de la imagen digital es la simulación y no la captura de las huellas del mundo físico»; también sobre el diseño de producción en la era digital (p. 109 - 112), y que «en el cine digital, el cineasta no se sitúa frente a las cosas, sino que atraviesa el mundo con la propia cámara»...
En definitiva, es un libro que se debe leer con un lápiz al lado para ir apuntando sus hallazgos y las sugerencias que provoca para seguir trabajando sobre los temas que trata, un análisis completamente fascinante y uno de los más lúcidos que he leído en mi vida, y además creo que es un libro esencial para conocer los derroteros que está tomando la imagen en movimiento en el momento actual.

Fellini

Colección Nosferatu, nº 7

Hoy es 28 de diciembre, según el santoral católico, el Día de los Santos Inocentes y en España el día en que se gastan bromas, llamadas inocentadas, pero también es el aniversario de la primera proyección de los hermanos Lumière que, como se sabe, no fue la primera proyección pública de la imagen en movimiento, pero sí la primera vez que se cobró por una proyección, como decía Jean-Luc Godard, no fue el invento del Cine, sino de la Taquilla, del negocio cinematográfico.
Sin embargo, no voy a escribir sobre esta efeméride. Hace ya bastantes meses Jesús Angulo me planteó escribir sobre la Ciudad y la Arquitectura en las películas de Federico Fellini. Ahora puedo confesar que vi algunas películas suyas cuando era bastante joven, al estrenarse en España -muchas con retraso por culpa de la censura franquista-, y en su momento no me entusiasmaron, la percepción y el conocimiento va variando y lo que en un momento de la vida gusta muchísimo, después puede aburrir mortalmente, y al revés, aquello que no gustaba puede entusiasmar muchos años después. Cuando me llamaron me interesaba mucho investigar sobre el espacio en el cine de Fellini y también quería volver a ver sus películas muchos años después, lo cierto es que fue una auténtica gozada, la mayoría me encantaron y descubrí unos espacios esenciales no sólo en el Cine, sino también en la Arquitectura.

El resultado de mi trabajo se acaba de publicar en el número 7 de la Colección Nosferatu -antes la revista Nosferatu y ahora auténticos libros dedicados cada uno a un director o un tema- coordinado por Jesús Angulo y Josean Fernández, reúne artículos de Pilar Pedraza, José Enrique Monterde, Ángel Quintana, Carlos Losilla, José María Latorre, Antonio José Navarro, Ricardo Aldarondo, Daniel Gascó, Fernando Lara, Roberto Cueto, Ramón Moreno Cantero, David Pinillos y el mío, con el largo título: «Perturbación, ofensa y fascinación. Realidad y ficción en los espacios de Fellini», en el que se incluyen los planos de planta que yo dibujé de las casas de Cabiria, Giulietta y Katzone -por cierto, esta última es increíble- de Las noches de Cabiria, Giulieta de los espíritus y La ciudad de las mujeres, respectivamente.
Como ya he hecho en otras ocasiones, copio aquí los primeros párrafos de mi artículo y si le interesa a alguien recomiendo que compre el libro, por ejemplo en la Librería 8 1/2 de Madrid, porque hay artículos completamente memorables:

Mutaciones del cine contemporáneo

He estado dos días encerrado en casa por culpa de una rodilla hinchada y la verdad es que, aunque en estas ocasiones no tengo demasiadas fuerzas para nada, esta vez he podido leer de un tirón un libro fundamental, Mutaciones del cine contemporáneo, editado en España hace ya casi un año por errata naturae, una editorial que ya he mencionado antes, cuando comenté Nueva York, el libro de Pier Paolo Pasolini que publicó esa editorial.

Mutaciones del cine contemporáneo nace gracias a la curiosidad del conocido crítico estadounidense, Jonathan Rosenbaum cuando comprobó que una serie de investigadores cinematográficos de distintas partes del mundo,  nacidos alrededor de los incios de los años sesenta, comparten unos gustos y unas ideas comunes que no tienen que ver con los del propio Rosenbaum. Otro crítico de su edad, como ya ha sucedido en otras ocasiones, hubiera pensado que los más jóvenes estaban equivocados y que él era quien tenía razón, sin embargo, Rosenbaum se preocupa y decide investigar, preguntándole primero al australiano Adrian Martin -que figura como co-coordinador del libro- y después ampliando el círculo a otros investigadores, el estadounidense Kent Jones, el austriaco Alexander Horwarth y la francesa Nicole Brenez, el resultado son una serie de cartas que primero se publican en la revista francesa Trafic y se reproducen al principio del libro. Otros temas diversos se van agregando y el resultado es el Mutaciones del cine contemporáneo.

Entre los artículos hay una entrevista con Abbas Kiarostami, un estudio sobre las comedias de Howard Hawks, otro sobre el magnífico Tsai Ming Liang, unas cartas hablando sobre el cine en Sudáfrica y América Latina, otro apasionante estudio de Adrian Martin sobre el cine musical, un trabajo sobre otro maestro Hou Hsiao Hsien... sin olvidar el prólogo de Pere Portabella que completa aspectos -algunos demasiados obvios- del análisis que se hace en el libro.

No hay autores españoles en este libro, pero no hay que olvidar que tanto Rosenbaum, como Martin y la siempre interesante Nicole Brenez, escriben regularmente en Cahiers du Cinema España -en el último número aparece un artículo estupendo de Martin sobre el encuadre- y que allí también publican sus trabajos investigadores españoles -no los cito porque seguro que se me olvidaría alguno- que son capaces de romper con lo peor de la anquilosada crítica periodística que abunda en los medios de comunicación actuales.

Como cualquier libro compuesto por artículos variados, unos pueden interesar más que otros, pero lo que subyace en la idea del volumen es que, ante todo, el cine o la imagen en movimiento -a pesar de algunos críticos gacetilleros-, está más viva que nunca, que hay una serie de cineastas desconocidos para el público en general, cuyas películas nunca se estrenarán en los cines y menos en los españoles, que son fundamentales para poder hablar del cine actual, y que hace falta una nueva perspectiva para investigar y hablar sobre la imagen en movimiento. Nueva perspectiva cuyo comienzo puede ser leer el ya imprescindible y al mismo tiempo clásico Mutaciones del cine contemporáneo. 

El camino del cine europeo

Blanca Oria y Juan Zapater (en la foto) me han invitado a dar una conferencia en un curso de la UNED en el Palacio del Condestable de Pamplona, titulado El camino del cine europeo, que se celebra por séptimo año consecutivo.  Mi intervención será la primera, el lunes 30 de agosto y me tocará hablar sobre Peter Greenaway con el título «El enigma del plano». Los otros ponentes hablarán, que en días consecutivos, serán: Ángel Quintana, sobre Roman Polanski «El círculo perverso»; Santos Zunzunegui, sobre Pedro Costa «La ética de la desesperanza»; y Jesús González Requena, sobre Jacques Tourneur «El magisterio de las sombras».

Copio a continuación el texto que han escrito Blanca y Juan: «El curso tiene como objetivo el análisis de la obra de cuatro cineastas europeos representativos de tiempos y espacios geográficos diferentes impartidos por especialistas que abordan el tema desde planteamientos teóricos muy distintos. Se trata de una inmersión en la cinematografía y legado de los más significativos creadores cinematográficos de todos los tiempos. En esta séptima cita, el curso estudia a Peter Greenaway (Gran Bretaña), Roman Polanski (Polonia), Pedro Costa (Portugal) y Jacques Tourneur (Francia). Dirigido a todos los públicos y, en especial, a estudiantes y profesionales de Audiovisuales, Periodismo, Arte y Psicología».

El programa del lunes, 30 de agosto es muy exhaustivo, primero por la mañana de 10:30 h. a 11:30 h. los directores del curso harán un análisis fílmico y exposición de la obra del cineasta, con una primera parte que será un recorrido bibliográfico y cinematográfico, para luego de 11:45 h. a 14:00 h. en la segunda parte hacer una proyección de materiales referentes e influencias de Greenaway; y por la tarde de 17:00 h. a 20:30 h. me toca a mí ¡¡¡tres horas y media!!!! no sé si alguien podrá aguantarme. 

Escribanías y pisapapeles

Hace unas semanas la Sociedad Estatal de Commemoraciones Culturales (SECC)  ha editado el libro titulado Espejos entre ficciones, el cine y el Quijote, que, coordinado por Carlos F. Heredero,  recoge las ponencias del Congreso Internacional que se celebró en Valencia en noviembre de 2005, además de otros artículos encargados específicamente para ser publicados en el libro, como el mío y los de Roberto Cueto, Pedro Medina y Sergi Sánchez. La lista de los veinticinco autores es impresionante -evidentemente no gracias a quien escribe este blog- ya que entre otros además de los antes mencionados, están, Borau, Gubern, Atxaga, Company, Font, García de Dueñas, Mainer, Monterde, Riambau, Seguin, Sánchez-Biosca, Castro de Paz, Quintana, Rosenbaum, Téllez, Molina Foix, Zunzunegui y, por supuesto, Heredero.

Reconozco que mi artículo, titulado, gracias al magnífico Jardiel Poncela, «Escribanías y pisapapeles. la escenografía de Don Quijote», lo escribí apresuradamente, porque se acababa el plazo y le hubieran venido bien unos planos para explicar mejor lo que propongo, entonces no sabía que el libro terminaría editándose cinco años después, pero espero que algún día tenga tiempo para dibujar esos planos. Ese año escribí dos artículos más sobre el Quijote, uno para la revista Formas de Arquitectura y de Arte del Colegio de Arquitectos de Ciudad Real y otro para la revista Nosferatu y la verdad es que resultó bastante difícil evitar repeticiones

Como suelo hacer siempre, reproduzco a continuación el principio de mi artículo y si aún desean seguir leyéndolo, les recomiendo que compren el libro, por ejemplo en la maravillosa librería madrileña 81/2:

Los lugares del cine.

Entre los cursos de verano de la Universidad Autónoma de Madrid, este año hay uno apropiado para los que les interesen las relaciones entre el Cine y la Arquitectura. Copio el texto que han escrito sus organizadores y el programa:
 

Los lugares del cine. Reflexiones sobre el uso del espacio en la puesta en escena cinematográfica.

Dirección: Valeria Camporesi, Profesora Titular, UAM
Samuel Alarcón, Doctorando UAM
13, 14 y 15 de julio. Sede El Pósito, Colmenar Viejo.

La representación del espacio es un elemento fundamental en la creación cinematográfica. A veces un marco, a veces un personaje más, el espacio integra, moldea y condiciona historias, personajes o soluciones visuales que acaban construyendo el film. El presente curso trata de abrir un debate en torno a la importancia del trabajo con el espacio a lo largo de la historia del cine mezclando reflexiones de estudiosos que han abordado el tema desde distintas perspectivas. Fuertemente marcado por una revisitación de las experiencias del pasado más importantes en este sentido, el curso dedica una especial atención a la labor realizada por los cineastas italianos que, marcados por la experiencia del neorrealismo, trabajaron en la encrucijada del cine moderno. Sin embargo, no se perderá de vista el imaginario del espectador cinematográfico contemporáneo y el marco teórico en el que se enmarca.

Programa provisional:

13 de julio
9,30 h. Presentación del curso a cargo de sus directores
10-12 h. Conferencia con proyección de fragmentos: «El espacio urbano de Tokio en el cine y Los espacios cinematográficos abandonados en Los Ángeles» Stephen Barber, Escritor, teórico e historiador del cine.
12-14 h. Conferencia con proyección de fragmentos: «Lugares neorrealistas» Alain Bergala, Cineasta, historiador del cine y profesor de estudios cinematográficos en la Universidad Paris III.
16,30 h. Proyección de Te querré siempre (Viaggio in Italia, Roberto Rossellini, 1953) con introducción de Renzo Rossellini, cineasta e hijo del director.
Mesa redonda con Renzo Rossellini, Alain Bergala, Angel Quintana y Stephen Barber.

14 de julio
10-12 h. Conferencia con proyección de fragmentos: «Los espacios imaginarios de Federico Fellini» Ángel Quintana, Profesor titular de Historia y Teoría del Cine de la Universidad de Gerona.
12-14 h. Conferencia con proyección de fragmentos: «Viaggio in Italia. Un análisis espacial» Samuel Alarcón, Cineasta e hitoriador del cine
16,30-19,30 h. Proyección de La ciudad de los signos de Samuel Alarcón (2009), documental seleccionado para su presentación en el festival de cine DOCUMENTA MADRID 09, con introducción del autor.
Mesa redonda con Renzo Rossellini, Ángel Quintana, Alain Bergala, Valeria Camporesi y Samuel Alarcón.

15 de julio
Hora 10-12 h. Conferencia con proyección de fragmentos: «Escenarios naturales, lugares de ensueño. Un viaje por la historia del cine» Valeria Camporesi
12-14 h. Conferencia con proyección de fragmentos: «Los mapas del imaginario cinematográfico» Jorge Gorostiza, Arquitecto e investigador cinematográfico.

16,30-18,30 h. Proyección de La aventura (L’Avventura, Michelangelo Antonioni, 1962) con introducción de Mara Chiaretti, Cineasta y ayudante de localizaciones de Antonioni en La aventura.
Mesa redonda con Mara Chiaretti, Jorge Gorostiza, Valeria Camporesi y Samuel Alarcón.