10 libros de cine

Cubierta de Hitchcock Truffaut. El Cine
según Hitchcock, edición definitiva.

Claudio Utrera nos pidió a ocho escritores que escogiéramos los diez mejores libros de cine o los que más nos hubieran influido, justificando nuestra elección con una pequeña entradilla. Los participantes en esta encuesta fuimos por orden alfabético: Aurelio Carnero, Isabel Castells, Carlos F. Heredero, Luis Miranda, Jesús Palacios, Antonio Weinrichter, Jara Yañez y yo. Esta selección con un artículo de Claudio, se publicó en La Provincia el pasado Viernes Santo. Mi entradilla y los libros que elegí son los siguientes:

Es muy complicado hacer una lista con los mejores libros de cine, como lo es escoger las películas más interesantes filmadas en un periodo de tiempo, y mucho más ordenarlos según su importancia. Siempre me han atraído las ideas de los cineastas, ya sean narradas por ellos mismos, como Buñuel y Almendros, o a través de otros, como Truffaut y Bogdanovich -también cineastas- aun sabiendo que muchas veces no cuentan la verdad. Otros autores analizan a directores, Berriatúa, o una película, Pirro. Pero los más impresionantes son aquellos ensayistas que sorprenden abriendo caminos, como el colectivo coordinado por Rosenbaum y Martin, Quintana, Aumont y los Affron.

  1. François Truffaut: Hitchcock Truffaut. El Cine según Hitchcock: edición definitiva (Akal, 1991)

  2. Néstor Almendros: Días de una cámara (Seix Barral, 1991)

  3. Luis Buñuel: Mi último suspiro (Plaza y Janés, 1982)

 4. Jonathan Rosenbaum, Adrian Martin (coord..): Mutaciones del cine contemporáneo (errata naturae, 2010)

  5. Luciano Berriatúa: Los proverbios chinos de FW Murnau (Filmoteca Española, 1991)

  6. Ugo Pirro: Celuloide (Libertarias, 1990)

  7. Peter Bogdanovich: Ciudadano Welles (Grijalbo, 1994)

  8. Ángel Quintana: Después del cine: imagen y realidad en el cine digital (Acantilado, 2011)

  9. Jacques Aumont: La imagen (Paidós, 1992)

10. Charles Affron y Mireia Jona Affron: Sets in Motion: Art Direction and Film Narrative (Rutgers University Press, 1995)

Es curioso que entre los elegidos ni un solo libro está escrito por los participantes en la encuesta. Respecto a los títulos con más votos son, con tres votos, la entrevista de Truffaut con Hitchcock, aunque Carnero eligiera la edición reducida publicada por Alianza Editorial y ¿Qué es el cine? de Bazin; y con dos votos las memorias de Buñuel, el libro colectivo coordinado por Rosenbaum y Martin, Perseverancia de Daney, La narración en el cine de ficción de Bordwell y el clásico Praxis del cine de Burch.

Una encuesta interesante para descubrir libros a veces poco mencionados y además para recordar otros casi olvidados.

Alphaville, un laberinto de cristal

La semana pasada escribí sobre los ensayos audiovisuales, sobre todo, los de Adrian Martin y Cristina Álvarez López, quien me escribió para recomendarme un ensayo que yo no conocía y que surgió de un curso que ambos impartieron en la Universidad Goethe de Frankfurt. Este ensayo lo realizó con gran brillantez Henrike Lindenberger y se titula Alphaville - A Crystal Maze, se encuentra aquí y evidentemente analiza la película dirigida por Jean-Luc Godard, titulada en España Lemmy contra Alphaville. Cristina es la autora de un texto en el que entre otras consideraciones menciona lo siguiente:

[...] su obra parte de una idea que está centrada y es específica, alejada de los retos de la trama y el personaje, y muy cinemática: estudiar el espacio y la arquitectura como elementos que le dan a la película su carácter de ciencia ficción. De hecho, el espacio y la arquitectura parecen ser temas especialmente adecuados para la exploración visual (aunque, como se nota, también logra inteligentemente dar un giro auditivo a esta aventura).

La idea que impulsa este ensayo audiovisual es bastante poderosa. Sin embargo, una cosa es tener una idea sobre una película y otra --que puede estar relacionada con la primera, pero va más allá y requiere un enfoque más inventivo-- construir un concepto para un ensayo audiovisual. Esto es lo que Lindenberger logra. Cuando digo concepto, lo digo de una manera extensa: me refiero a la estructura y la retórica de la pieza, a la relación entre sus diferentes elementos materiales y sus operaciones de montaje, a todo lo que da a la pieza una forma independiente, autónoma y singular. El concepto es lo que diferencia un ensayo audiovisual de una mera colección de clips utilizados para demostrar, probar o servir como ejemplos de un punto. El concepto es, en definitiva, lo que transforma la investigación analítica inicial en un proceso creativo.

Por lo tanto, este ensayo audiovisual va mucho más allá de la simple recopilación de clips que se relacionan con el espacio y la arquitectura. A través de un trabajo meticuloso (tanto de investigación como de reordenamiento), esta pieza reinventa un espacio -el laberinto de cristal- a fuerza de reconcentrarlo. Por supuesto, la imagen del laberinto de cristal no es enteramente ajena a Alphaville; Sin embargo, mientras que en la película de Godard podemos sentirla, aquí podemos experimentarla completamente - condensada, aumentada y dinamizada gracias al montaje.

¿Cómo exactamente esta pieza crea su laberinto de cristal? En primer lugar, inventando un mecanismo consistente: utiliza flechas, signos de neón y gestos señalando hechos por personajes como pistas que marcan el cambio inquieto en la dirección del movimiento: arriba y abajo, izquierda y derecha. Ascensores, escaleras, pasillos, puertas y ventanas forman parte de un siniestro juego de espacio, lleno de trampas y falsas salidas, a través del que los personajes caminan casi como si fueran autómatas. El uso de motivos circulares (Anna Karina moviéndose alrededor de una mesa, puertas giratorias, escalera de caracol, el movimiento panorámico de la cámara que traza un semicírculo ...) -así como la repetición, al final de la pieza, de varios disparos incluidos en el comienzo- también contribuyen a subrayar esta idea de atrapamiento. Y, por supuesto, están las estructuras cristalinas que surgen en todas partes: paredes y cubículos, monolíticos o en serie: la maquinaria malvada del aislamiento y la opresión.

Un texto extraordinario, Lindenberger también escribió otro explicando su trabajo, para apoyar un ensayo muy interesante desde el punto de vista de las relaciones entre el cine y la arquitectura.

Ensayos audiovisuales

Ayer di una conferencia dentro del curso denominado Dispositivo Vórtice, coordinado por Dalia de la Rosa y Eduardo G. Rojas en el TEA, titulada crítica y ensayo cinematográficos. 
La verdad es que no sé demasiado sobre este tema, por lo que opté por explicar cómo he afrontado mis trabajos, las fuentes que he usado, así como los libros recientes y las revistas que me interesan, entre ellas caimán cuadernos de cine y las digitales transit y Lola, Como saben, no trabajo en la docencia y muchas veces he ido avanzando en mis investigaciones gracias a los encargos que me han ido haciendo, tanto artículos como charlas. Además me apeteció mucho dar esta conferencia porque pude indagar en un nuevo tipo de análisis cinematográfico que me parece fundamental hoy en día, el audiovisual. Ya había visto algunos de los estupendos ensayos que ha realizado Cristina Álvarez López en solitario y junto a Adrian Martin -a quienes ya seguía y sigo gracias a su trabajo escrito-, pero ahora, además de ver casi todos los de estos autores, he descubierto otros que también me parecen estupendos. Antes de seguir, tengo que mencionarles a los no iniciados e este tema el fundamental artículo «Reflexiones en torno al ensayo audiovisual» escrito por Manu Yáñez, quien -como siempre- es capaz de establece unas bases para la sistematización y el estudio de estos ensayos. Ayer les llevé a los alumnos varios, entre ellos, Las variaciones Melville y [De Palma's] VISION sobre los directores Jean-Pierre Melville y Brian de Palma respectivamente, ambos de Adrian Martin y Cristina Álvarez Lopez; Tonight the Night is Ours, una "canción ilustrada" de Roberto Amaba; el espectacular Transformers: The Premake de Kevin B. Lee que incluso ha competido en varios festivales en la sección de cortometrajes, por último, les enseñé el bellísimo y muy interesante para estudiar las relaciones entre cine y ciudad, Genius loci, spirit of place de José Manuel López y Covadonga G. Lahera. Desde aquí les animo a que continúen investigando, aprendiendo y disfrutando con estos ensayos e incluso que se animen a realizar alguno.

L'Atalante. Call for papers

Portada del nº 14 de L'Atalante

En julio del año pasado escribí un texto que titulé «Agrupémonos todos» en el que mencionaba a muchas personas que están trabajando sobre las relaciones entre arquitectura y cine. Estoy seguro que me olvidado de muchos otros investigadores que también tienen mucho que decir sobre este tema, incluso si no están especializados en él, por ejemplo, en Caimán Cuadernos de Cine han aparecido dos artículos interesantísimos escritos por Santos Zunzunegui y otro de Adrian Martin que a mí me han abierto nuevos caminos en mis investigaciones, por eso, me gustaría conocer qué pueden aportar a estas relaciones otros críticos y la gente joven que está empezando a investigar ahora con nuevas perspectivas.

La revista L'Atalante, que en todos sus números tiene una sección monográfica -el próximo estará dedicado al cómic y el cine-, prepara uno dedicado al cine y la arquitectura, será el 17 y su título provisional es «La arquitectura efímera en el cine. El decorado arquitectónico y la creación del espacio cinematográfico». Sé que ya están recibiendo artículos y aceptan propuestas hasta el 28 de febrero.

La revista está muy bien, tiene artículos y colaboradores estupendos, y además está «indexada» por lo que, como bien saben los investigadores y doctorandos -mucho mejor que yo, porque ya no me aclaro con estos temas burocráticos-, hoy en día es obligatorio y fundamental publicar en este tipo de revistas.

Hasta que se celebren unas jornadas, congreso o como se llame, en el que nos encontremos todos, la ocasión que nos brindan los promotores de L'Atalante es importante para saber cuál es el estado actual de nuestras investigaciones y también para aprender de los demás, debo confesar que a mí me ilusiona tener ese futuro número en mis manos, porque espero mucho de sus artículos.

Transcribo el texto que han escrito en el «Call for papers» para explicar cuál será su contenido: «La escenografía es fundamental en la construcción del espacio cinematográfico: arquitectura, en ocasiones fragmentada y deformada, que conforma una idea del espacio donde se desarrolla la narración fílmica que solo existirá en la mente del espectador. Desde que la escenografía cinematográfica se desvincula definitivamente del teatro con la película Cabiria (Giovanni Pastrone, 1914), hasta que la tecnología hace acto de presencia convirtiendo esas arquitecturas efímeras, en imágenes irreales que sólo existen en la pantalla mientras las visualicemos. Analizaremos estos dos elementos: el decorado arquitectónico y el espacio cinematográfico, a lo largo de la historia del cine, desde los decorados grandiosos de Cabiria y su respuesta hollywoodiense con Intolerancia (Intolerance, 1916), de D.W.Griffith, pasando por la ausencia de arquitectura corpórea en películas como Dogville (Lars von Trier, 2003), hasta llegar a los decorados fingidos y virtuales de Matrix (The Matrix, 1999), de los hermanos Wachowski».

Raúl Ruiz. Arquitectos y Cineastas,



Raúl Ruiz

En la serie de textos que he denominado Arquitectos y Cineastas, y que relacionan la realización de una película con un edificio, he ido publicando algunos de directores, como Ingmar Bergman, Walerian Borowcyk, René Clair, John Ford, Amos Gitai, Peter Greenaway y Dziga Vertov; de una actriz, Viola Dana y de un investigador, Sigfried Giedion.
El segundo número de la estupenda revista digital Lola, editada por Adrian Martin y Girish Shambu,  publica el discurso, titulado «El cine es otra vida», que impartió Raúl Ruiz cuando recibió el doctorado "honoris causa" en la Ecole Normale Supérieure de Lyon, el 18 de noviembre de 2005, y que comienza así:
 
Quiero contar un secreto. El cine, este arte de la luz, existe. Pero si existe, es sólo debido a la sombra que le sirve de soporte poético. Es esta sombra -o más bien, la oscuridad- la que le permite construir (a la manera de un rompecabezas) un edificio, un palacio mental o laberinto, en el que vive una bestia salvaje, nuestro doble animal, un felgya como los antiguos vikingos la llamaban, y esta bestia nos mira, nos espera, y se prepara para devorarnos.
 

Como verán, un inicio completamente fascinante que invita a seguir leyendo el discurso aquí.